奥普艺术，奥普集成吊顶与托斯卡纳美尔凯特是十大第几分别核心竞争是什么

来源：整理时间：2023-05-11 18:31:49 编辑：五合装修手机版

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1，奥普集成吊顶与托斯卡纳美尔凯特是十大第几分别核心竞争是什么
2，光效应艺术是用线条来表现
3，什么是波普艺术
4，绘画的起源与发展
5，集成吊顶行业有哪3大流派
6，欧普艺术的定义
7，欧普艺术与几个图案有什么区别

1，奥普集成吊顶与托斯卡纳美尔凯特是十大第几分别核心竞争是什么

奥普集成吊顶和托斯卡纳以前都是做浴霸和碳纤维出身的，奥普以前从事最大的浴霸生产厂家，现在可以说是集成吊顶的十大品牌。托斯卡纳2001年成立时是做碳纤维的企业，07年开始得到意大利的授权最早进入做智能集成吊顶行业，现在已经是十大品牌中第一个做智能集成吊顶了。美尔凯特的特色就是自清洁，品牌也还不错。这三个牌子都挺好的吧，楼主自己斟酌了。

奥普集成吊顶与托斯卡纳美尔凯特是十大第几分别核心竞争是什么

2，光效应艺术是用线条来表现

光效应艺术是用线条来表现一种真实的运动。光效应艺术又称奥普艺术、欧普艺术，其英文原文中的Op是optical 的缩写，也即是视觉效应艺术的意思。正式使用这一名称是在1965年。当时，纽约现代艺术博物馆正在举办“眼睛的反应”（The Responsive Eye）画展，展览陈列了大量经过精心设计的作品，这些作品描绘的是按照一定的规律排列而成的波纹或几何图形，给人带来视知觉的运动感和闪烁感，使视神经在与画面的接触中产生眩晕的光效应现象与视幻效果。概念：光效应艺术（Op Art）运动诞生后，视觉错觉才被认可为一种艺术形式。1964年，《时代》杂志赋予了它们“光效应艺术”这一术语。1965年，纽约现代美术馆（Museumof Modern Art）举办“眼睛的反应”展览。在展览上，光效应艺术家们探究了视觉感知的许多方面，例如几何形体之间的关系，在现实中不会存在的“不可能图形”，以及关于光亮、颜色和形状感知的幻觉。但是“会动”的幻觉图片引起了特别的关注。在这些欺骗眼睛的诡计中，静止的图案让观看者在主观上产生了强烈的错觉，误认为它们是在动的。因此，光效应艺术又被称为“视幻艺术”，它是继波普艺术之后，在西方科学技术革命的推动下出现的一种新的风格流派。

光效应艺术是用线条来表现

3，什么是波普艺术

代表20世纪60年代工业设计追求形式上的异化及娱乐化的表现主义倾向“波普”是一场广泛的艺术运动，反映了战后成长起来的青年一代的社会与文化价值观，力图表现自我，追求标新立异的心理。从设计上说波普风格并不是一种单纯的、一致性的风格，而是各种风格的混合，他追求大众化下的、通俗的趣味，反对现代主义自命不凡的清高，在设计中强调新奇与独特，并大胆采用艳俗的色彩。宗旨:追求新颖、追求古怪、追求希奇，“波谱”设计风格的特征变化无常难于确定统一的风格，可以说是形形色色、各种各样的折中主义的特点，它被认为是一个形式主义的设计风格。

什么是波普艺术

4，绘画的起源与发展

历史一、史前绘画已知最古老的绘画位于法国肖维岩洞（Grotte Chauvet），部分历史学家认为它可以追溯至32000年前。那些画经由红赭石（red ochre）和黑色颜料作雕刻及绘画，主题有马、犀牛、狮子、水牛、猛犸象或是打猎归来的人类。石洞壁画在世界各地均十分常见，例如法国、西班牙、葡萄牙、中国、澳大利亚及印度等。这些绘画的发现对其存在目的引起了众多不同的猜测，有些假设指出那些绘画是当时的人认为绘画可以捕捉动物的灵魂，令他们狩猎更为顺利。一些假设则认为那是泛灵论的一种现象，表达他们对自然的尊敬；亦有另一假设指人类与生俱来已有自我表达的需要，而那些绘画正是其结果；此外亦有那是作为应用资讯的传播的观点。二、东西方传统西方文化主要是以油画及水彩画为主，在形式及主题上都有丰富的传统。东方主要是以墨及矿物颜料的画为主，在形式及主题上都有同様丰富的传统。三、近代至今摄影的发明对绘画有很大的冲击，第一张照片在1829年问世，在数十年后，摄影技术持续改进且广为使用，因此绘画原来用来记录真实世界的功能也受到挑战。 19世纪末和20世纪初的一连串艺术活动，包括印象派、后印象派、野兽派、表现主义、立体主义及达达主义，挑战文艺复兴时代对艺术的观点。不过东方艺术及非洲艺术仍维持以往的风格，未受到摄影的影响。现代艺术和当代艺术的观点和传统艺术的历史价值及概念有不少差异。因此在1960年曾有人说严谨的绘画型式已死。不过这没有阻止大多数的画家继续以绘画作为其创作的部分或是全部。二十一世纪绘画的活力及多变性盖过了之前曾有人提出严谨艺术已死的宣告。在以文化多元性为特点的时代，对于时代性的代表风格没有共识。艺术家继续以不同的风格及美学气质进行创作，而其成就则留待市场的评价。在二十一世纪初，仍在继续的绘画派别有单色画、硬边绘画、几何抽象主义、挪用、超写 *** 义、照相写实主义、表现主义、极简主义、抒情抽象、普普艺术；奥普艺术、抽象表现主义、色域绘画、新表现主义、珂拉琪、Intermedia绘画、 *** 艺术绘画、电脑艺术绘画、后现代绘画、新达达绘画、立体画布绘画、环境壁画、传统的人物画、风景画、肖像画及玻璃绘画动画。扩展资料：一、元素 1、亮度亮度的意思就是色彩明暗的程度（深浅的程度）比较浅就是明度高比较深就是明度低，绘画中的一个元素是亮度的感受及效果。空间中的每一个点都有不同的亮度，在绘画中可以用黑色、白色及中间各种的灰色表示。在实务上，画家可以用并列不同亮度的点来表达物体的形状，相对的，若只用相同亮度的不同颜色，可能只能表示图像的形状而已。绘画的基本手法会包括几何图案、许多不同的观点及组织（透视法）及符号。例如画家在看某一片特定的白墙时，因为阴影及周围物体反射的影响，每一个点都会有不同的亮度，但在理想上，即使在一个全黑无光的房间中，白墙仍然是白色的。因为即使房间中没有光，是黑暗的，物体依然存在，并没有消失不见，所以可证明其理论是正确的。 2、色彩和色调色彩和色调是绘画的基础，正如音乐中的音高和节奏一様。颜色是高度主观的，但其带来的心理效果是可以观测的，只是其效果可能会随文化不同而不同，例如在西方文化中，黑色表示死亡及哀悼，但在东方文化中则是用白色表示。有些画家、理论家、作家及科学家（包括歌德、瓦西里·康丁斯基及牛顿）都提出了他们的色彩理论。而且其中的语言也只能表示一种抽象的颜色，例如红这个字可以表示可见光谱中在纯红光附近一个范围内的光。像在音乐上，不同的音乐家对于中央C或是C4有共同的定义，但不同的画家对于颜色没有一个公认的定义。对画家而言，颜色不止是分为基本色或衍生色（如红色、蓝色、绿色、咖啡色等）而已。在绘画时，画家是用颜料上色，因此画家的“蓝色”可能是以下颜色中的一种：午夜蓝、靛色、钴蓝色、群青等。颜色在心理上及符号上的含意不一定和绘画上的手法有关。颜色可以增加一些潜在的、衍生的意义，因此对于一幅画的感觉是非常主观的。这部分可以用音乐来类比．音乐中的音高（例如中央C）类似绘画中的光，阴影类似强弱，颜色则类似不同乐器的音色，虽然这些不一定可以形成旋律，但可以在音乐中加入一些不同的内容。 3、非传统元素现代的画家已经将绘画加以延伸，例如由立体主义衍生的珂拉琪，严格来说不算是绘画。有些现代画家会因为材料的纹理而整合不同的材料，例如砂、水、稻草或是木材等。像让·杜布菲及安塞尔姆·基弗的作品就属于这一类。也有越来越多的艺术家社群利用电脑及Adobe Photoshop或Corel Painter等软件将颜色画在数位的画布上，若有需要也可以印在真正的画布上。 4、节奏绘画中的节奏和音乐中的节奏一样重要，若节奏定义为“结合到一个序列中的暂停”，则绘画中也有其节奏。这样的暂停可以让想像力参与在其中，产生新的创作，型式、旋律及上色等。这些形式（或是任何种类资讯）的分布在艺术工作上相当重要，会直接影响作品的审美价值。在审美价值上，感知的自由流动即视为是美。不但在艺术或是科学中，能量的自由流动会提升其审美价值。二、审美与理论美学是有关艺术和美的研究，是康德或黑格尔等十八世纪及十九世纪的哲学家探讨的主题之一。像柏拉图及亚里斯多德等希腊哲学家也对艺术及绘画有特别的探讨。在柏拉图的哲学系统中，画家和雕刻家的地位不高，他认为绘画无法描述真理，绘画只是复制实际事物，其中除了工艺，没有其他的成分在内，就像鞋匠及铸铁一様。不过在达芬奇的时期，对绘画的认知和柏拉图的认知不同，当时认为“La Pittura è cosa mentale”（绘画是心灵的事物）。康德区分美和壮美两种概念，分析两者的相同处及不同处。虽然他没有提到绘画，但像约瑟夫·玛罗德·威廉·透纳及卡斯帕·弗里德里希等画家将其概念延伸到绘画上。黑格尔认为无法对美给予一个共通性的定义，在他的美学研究中认为绘画、诗歌和音乐是三项“浪漫”的艺术，其中有符号化，高度智力的目的。三、绘画风格绘画是一个捕捉、记录及表现不同创意目的的形式，它及其参与者的数量同样地为数众多。绘画的本质可以是自然及具像派的（如静物画（still life）或风景画）、影像绘画（photographic painting）、抽象画、有叙事性质的、象征主义、情感的或政治性质的。历史上有一大部分的绘画被灵性主题及概念所主导，这些绘画形式由陶器上的神话角色到西丝汀教堂的内壁及天花板上的圣经故事场景都有，它们会透过人类身体本身去表达灵性的主题。

5，集成吊顶行业有哪3大流派

1、楚楚吊顶，艺术流派，地点桐乡；2、奥普浴顶，技术流派浴霸开创人，地点杭州；3、友邦集成吊顶，集成流派，地点王店。

未来的集成吊顶行业还会出现哪些流派呢？的格局中，我们隐隐看到集成吊顶行业目前凸显出的三大流派，也许将成为集成吊顶行业从“战国时期”

大行业,小公司,公司后续成长空间十足。我们预计2012-2015年集成吊顶行业市场容量(厨卫应用)将由2012年的77亿元增长至2015年127亿元,年均

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6，欧普艺术的定义

欧普艺术风格源于20世纪60年代的欧美。"OP"是"Optical"的缩写形式,意思是视觉上的光学。"欧普艺术"所指代的是利用人类视觉上的错视所绘制而成的绘画艺术。因此"欧普艺术"又被称作"视觉效应艺术"或者"光效应艺术"。是利用人类视觉上的错视所绘制而成的绘画艺术.它主要采用黑白或者彩色几何形体的复杂排列对比交错和重叠等手法造成各种形状和色彩的骚动,有节奏的或变化不定的活动的感觉,给人以视觉错乱的印象.欧普艺术下的服装服饰,按照一定的规律给人以视觉的动感... 欧普艺术（Optical Art）又被称为"光效应艺术"和"视幻艺术"，它是继波普艺术之后，在西欧科学技术革命的推动下出现的一种新的风格流派，兴起于西方二十世纪六十年代。首次使用"欧普"（Optical）这一名称是在1965年，当时在纽约现代美术馆举办的一次主题为"眼睛的反应"（The Responsive Eye）展览会上，陈列出大量经过精心设计,按一定规律排列而成的波纹或几何形绘画, 这些作品给参观者以强烈的视觉刺激，达到了震撼人心的艺术效果。事实上，欧普艺术就是要通过绘画达到一种视知觉的运动感和闪烁感,使视神经在与画面图形的接触过程中产生令人眩晕的光效应现象与视幻效果。欧普艺术家以此来探索视觉艺术与知觉心理之间的关系,试图证明用严谨的科学设计也能激活视觉神经,通过视觉作用唤起并组合成视觉形象,以达到与传统绘画同样动人的艺术体验。出于这一目的, 欧普艺术作品摒弃了传统绘画中一切的自然再现，而是在作品中，使用黑白对比或强烈色彩的几何抽象，在纯粹色彩或几何形态中，以强烈的刺激来冲击人们的视觉，令视觉产生错视效果或空间变形，使其作品有波动和变化之感。欧普艺术可以称得上是一种挑战人类视觉的智力游戏，从而带领观众进入了一个变幻莫测的幻觉世界。艺术评论家弗波帕曾给欧普艺术作了一个较为科学化的解释：用各种不同的几何体的周期性结构，纬线叠积或色彩排列，同时运用各种不同的艺术手段和使其产生光焦度现象的科学方法--放射光的波纹形效果和色彩的扩散，它的强度分离又并行对比、连续或交叉，色彩和色调的增大或减少，色彩的互相干扰等等，所有这些现象都会对视网膜引起刺激、冲动、振动和其他对视觉的混合、重叠等强烈反应（如图像和背景的颠倒、前部暖色与后部冷色之间的相互渗透关系），造成一种含义不明的圆体和一种持久的不稳定的造型。欧普艺术家一方面认为抽象表现主义太随意和偶然；另一方面又认为波普艺术太鄙俗。他们主张要吸引观众，但却不能让观众卷入艺术之中；既不联系具体，也不表达感情和体验，而基本上利用视觉变化来造成一种幻景。[2] 这种视觉变化主要由两方面来完成--色彩的变化和形态的组织，欧普艺术家们在创造自己作品的同时也在不断地观察着这两方面在视觉中产生的各种幻觉，试图挖掘潜藏在这种幻觉表象后面的基本规律。在这种风格的形成过程中，欧普艺术家们可谓是博众家之长，如在空间透视方面，可以看到印象派美学的影子；在抽象形态的组织上，可以追溯到立体主义、未来主义、螺旋主义及康定斯基和克利等画家；而在色彩的相互关系方面，又受到新造型主义、构成主义的影响；此外，德国的包豪斯和鲁道夫·阿恩海姆的著作《艺术与视知觉》也给了欧普艺术家们很大的启发。

7，欧普艺术与几个图案有什么区别

欧普艺术使用明亮的色彩，造成刺眼的颤动效果，达到视觉上的亢奋。欧普艺术要通过绘画达到一种视知觉的运动感和闪烁感，使视神经在与画面图形的接触过程中产生令人眩晕的光效应现象与视幻效果。欧普艺术家以此来探索视觉艺术与知觉心理之间的关系，试图证明用严谨的科学设计也能激活视觉神经，通过视觉作用唤起并组合成视觉形象，以达到与传统绘画同样动人的艺术体验。出于这一目的，欧普艺术作品摒弃了传统绘画中一切的自然再现，而是在作品中，使用黑白对比或强烈色彩的几何抽象，在纯粹色彩或几何形态中，以强烈的刺激来冲击人们的视觉，令视觉产生错视效果或空间变形，使其作品有波动和变化之感。

产生于法国的1960年代，是精心计算的“视觉的艺术”，使用明亮的色彩，造成刺眼的颤动效果，达到视觉上的亢奋。　　欧普艺术1965(4)-于纽约现代美术馆举行。　　代表人物有　　马列维基(kasimir malevich,1878-1935)　　瓦萨雷利(victor vasarely,1908-)　　凯利(ellsworth kelly,1923-)　　诺拉德(kenneth noland,1924-)　　雷黎(bridge riley,1931-)　　斯特拉(frank stella,1936-)等　　欧普艺术风格源于20世纪60年代的欧美。"op"是"optical"的缩写形式,意思是视觉上的光学。"欧普艺术"所指代的是利用人类视觉上的错视所绘制而成的绘画艺术。因此"欧普艺术"又被称作"视觉效应艺术"或者"光效应艺术"。是利用人类视觉上的错视所绘制而成的绘画艺术.它主要采用黑白或者彩色几何形体的复杂排列对比交错和重叠等手法造成各种形状和色彩的骚动,有节奏的或变化不定的活动的感觉,给人以视觉错乱的印象.欧普艺术下的服装服饰,按照一定的规律给人以视觉的动感...　　欧普艺术（optical art）又被称为"光效应艺术"和"视幻艺术"，它是继波普艺术之后，在西欧科学技术革命的推动下出现的一种新的风格流派，兴起于西方二十世纪六十年代。首次使用"欧普"（optical）这一名称是在1965年，当时在纽约现代美术馆举办的一次主题为"眼睛的反应"（the responsive eye）展览会上，陈列出大量经过精心设计,按一定规律排列而成的波纹或几何形绘画, 这些作品给参观者以强烈的视觉刺激，达到了震撼人心的艺术效果。　　事实上，欧普艺术就是要通过绘画达到一种视知觉的运动感和闪烁感,使视神经在与画面图形的接触过程中产生令人眩晕的光效应现象与视幻效果。欧普艺术家以此来探索视觉艺术与知觉心理之间的关系,试图证明用严谨的科学设计也能激活视觉神经,通过视觉作用唤起并组合成视觉形象,以达到与传统绘画同样动人的艺术体验。出于这一目的, 欧普艺术作品摒弃了传统绘画中一切的自然再现，而是在作品中，使用黑白对比或强烈色彩的几何抽象，在纯粹色彩或几何形态中，以强烈的刺激来冲击人们的视觉，令视觉产生错视效果或空间变形，使其作品有波动和变化之感。　　欧普艺术可以称得上是一种挑战人类视觉的智力游戏，从而带领观众进入了一个变幻莫测的幻觉世界。艺术评论家弗波帕曾给欧普艺术作了一个较为科学化的解释：用各种不同的几何体的周期性结构，纬线叠积或色彩排列，同时运用各种不同的艺术手段和使其产生光焦度现象的科学方法--放射光的波纹形效果和色彩的扩散，它的强度分离又并行对比、连续或交叉，色彩和色调的增大或减少，色彩的互相干扰等等，所有这些现象都会对视网膜引起刺激、冲动、振动和其他对视觉的混合、重叠等强烈反应（如图像和背景的颠倒、前部暖色与后部冷色之间的相互渗透关系），造成一种含义不明的圆体和一种持久的不稳定的造型。　　欧普艺术家一方面认为抽象表现主义太随意和偶然；另一方面又认为波普艺术太鄙俗。他们主张要吸引观众，但却不能让观众卷入艺术之中；既不联系具体，也不表达感情和体验，而基本上利用视觉变化来造成一种幻景。[2] 这种视觉变化主要由两方面来完成--色彩的变化和形态的组织，欧普艺术家们在创造自己作品的同时也在不断地观察着这两方面在视觉中产生的各种幻觉，试图挖掘潜藏在这种幻觉表象后面的基本规律。在这种风格的形成过程中，欧普艺术家们可谓是博众家之长，如在空间透视方面，可以看到印象派美学的影子；在抽象形态的组织上，可以追溯到立体主义、未来主义、螺旋主义及康定斯基和克利等画家；而在色彩的相互关系方面，又受到新造型主义、构成主义的影响；此外，德国的包豪斯和鲁道夫·阿恩海姆的著作《艺术与视知觉》也给了欧普艺术家们很大的启发。　　欧普艺术几乎同时兴起于欧美各国。其最杰出的代表是法国画家维克托·瓦萨雷里，他从50年代起就开始创作具有运动感和闪烁效果的绘画，成为法国欧普艺术的主流。其他具有影响力的欧普艺术画家有美国的约瑟夫·艾伯斯（josef. albers）和安德鲁基威斯（r. anuskiewicz），英国的女艺术家瑞利（b. riley）及以色列的阿格姆（y. agam）、委内瑞拉的萨图（j. r. soto）等。　　虽然欧普艺术盛行的时间并不是很久，到二十世纪七十年代就走向了衰落。但它变幻无穷的视觉印象，以强烈的刺激性和新奇感，广泛渗透于欧美和日本的建筑装饰、都市规划、家具设计、娱乐玩具、橱窗布置、广告宣传、纺织品印染，以及芭蕾舞、电视观赏等到多种设计领域，在国际上产生了很大影响。